ASRI. Arte y Sociedad. Revista de Investigación en Artes y Humanidad digitales.
ASRI. Arte y Sociedad. Revista de Investigación en Artes y Humanidades digitales, ISSN: 2174-7563 es una publicación científica semestral de acceso abierto coordinada por el grupo de investigación en Cultura Visual y Prácticas Artísticas (CUVPAC) y editada por el Servicio de Publicaciones de la Universidad Rey Juan Carlos (desde 2023). El objetivo principal es ofrecer un instrumento de intercambio para la investigación y difusión de las múltiples formas de expresión y representación del mundo material y virtual que habitamos. Una plataforma de pensamiento crítico que aporte conocimiento de una manera sistemática y multidisciplinares y que está orientada a investigadores y artistas en arte, estudios culturales y visuales, humanidades digitales, estudiantes de doctorado y máster y entusiastas de la cultura hipermedia, internet y tecnologías de la comunicación, información y representación visual. Para hacer más amplio el escenario de discusión y debate de ideas se han creado 4 líneas de pensamiento: para sus números monográficos: Poéticas de la imagen/Estudios visuales (Colección Verde); Narrativas audiovisuales/Cine (Colección Azul); Diseño (Colección Roja) y Humanidades digitales (Colección Morada). También disponemos de una línea abierta #OPENASRI para publicar artículos en la modalidad miscelánea. Palabras Clave Arte, Prácticas Artísticas; Humanidades Digitales; Cultura Hipermedia e Internet; Tecnologías de la imagen; Fotografía
Servicio de Publicaiones de la Universidad Rey Juan Carlos
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La háptica del recuerdo a través del Moist Media: interactividad interespecie en la instalación Lay Here With Me
La experiencia New media se ha visto marcada por una tendencia a representar la dimensión digital y virtual de la realidad. Sin embargo, actualmente son muchos los artistas que buscan la vivencia física con y de la obra para, mediante la interactividad, trasladar la experiencia estética a lo tangible. En esta tendencia, el Moist Media, la hibridación del medio tecnológico y el vegetal, se ofrece como oportunidad para repensar las relaciones generadas entre espectador, obra viva y digitalidad, proponiendo afectividad e interrelación interespecie como objeto de estudio. El presente texto propone una revisión de la idea de hapticidad interespecífica1, centrándose en el análisis conceptual de la obra Lay Here With Me. La instalación, que ofrece al espectador una experiencia multisensorial, nos invita a la reconexión húmeda entre alteridad, pasado y presente. Se demuestra cómo la tecnología facilita la experiencia relacional entre humano y planta, cuyo contacto interviene y modifica la obra en su devenir. A través de la co-creación, la instalación abre espacio para la relación afectiva con la naturaleza vegetal, sirviendo como evidencia de las capas presentes en el Moist media. Esto nos permite entrelazar la dimensión estético-política de las relaciones más allá de lo humano, reflexionando sobre el cuidado en tiempos convulsos.
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La agencia de la imagen técnica en la conservación del patrimonio arquitectónico: modelado 3D y HBIM como dispositivos visuales operativos
El patrimonio arquitectónico enfrenta desafíos debido al deterioro material y a la limitada documentación técnica para su análisis estructural. Este estudio aplica el flujo Scan-to-HBIM-to-FEM, integrando fotogrametría (SfM), escaneo láser terrestre (TLS), modelado HBIM y simulación mediante elementos finitos en la Iglesia San Antonio de Padua, Riobamba (Ecuador). Los resultados evidencian un modelo tridimensional con alta precisión geométrica (desviaciones < 0.2%), adecuado para análisis estructural. La simulación FEM permitió identificar zonas críticas de esfuerzo y su relación con irregularidades geométricas. Se concluye que el flujo propuesto es eficaz para la documentación y evaluación estructural del patrimonio.
La mirada a los museos tamizada desde las apps: actualidad, reflexiones y buenas prácticas
El artículo analiza el uso que hacen los museos de las aplicaciones móviles como herramientas de mediación cultural y apoyo a la visita. Su objetivo principal es examinar la orientación, los recursos y las potencialidades de las apps museísticas mediante un enfoque metodológico exploratorio y comparativo. Se combina una revisión bibliográfica con el análisis cualitativo de cinco aplicaciones seleccionadas por su diversidad institucional y tecnológica. Los resultados sugieren que dichas herramientas pueden contribuir a la mediación pedagógica, la personalización de la experiencia y la accesibilidad en función de las funcionalidades observadas, aunque predominan modelos informativos y narrativos y el uso de tecnologías inmersivas sigue siendo limitado.
La poética del paratexto: lecturas de los montículos de Félix González-Torres
Este artículo se propone analizar las obras en forma de montículo del artista Félix González-Torres a partir de la noción de paratexto desarrollada por Gérard Genette. Se consideran paratextos elementos externos que, aunque no forman parte de la obra, operan como umbrales que amplían el significado más allá de su propia materialidad. El sentido no surge únicamente de la forma visible, sino del entramado simbólico que la circunda, donde el lenguaje, la biografía y la participación del espectador reconfiguran la interpretación política, afectiva y ética de las instalaciones. El montículo es un motivo insistente en el arte contemporáneo y es coincidente con algunos trabajos de González-Torres, lo que permite inscribir esta forma en una red de resonancias formales y conceptuales. Para profundizar en esta idea, se recurre al concepto de intertextualidad de Julia Kristeva, quien lo define como la relación que un texto establece con textos previos y que configura un “mosaico de citas” en constante diálogo con distintas tradiciones y producciones artísticas.
La transformación del museo bajo la perspectiva de la museología crítica en el cambio de siglo
Lejos de la imagen de estatismo tradicionalmente asociada al museo, la institución ha experimentado profundas transformaciones en las últimas décadas. En el marco de la museología crítica, esta percepción del cambio se articuló en una gran producción bibliográfica que, especialmente en torno al cambio de milenio, abordó diversos aspectos de dicha transformación. Esta literatura describe un museo que se repiensa, se reinventa y se reconfigura, atravesado por procesos de cambio, crisis y reformulación que apuntan hacia un modelo sustancialmente distinto al del siglo XX. El presente texto propone una reflexión sobre la reconfiguración del museo a partir del análisis de los estudios museológicos producidos aproximadamente entre 1990 y 2010, centrándose en la tradición anglosajona, donde se desarrolla de manera generalizada una aproximación crítica a la institución. Este enfoque, contribuye a la comprensión del museo como fenómeno ligado a un contexto histórico y cultural concreto.
De la iconografía a la educomunicación: el piano como recurso para la educación artística en contextos digitales
El artículo analiza la representación pictórica de mujeres pianistas a partir de un corpus de trece obras, abarcando desde el realismo decimonónico hasta las vanguardias y reinterpretaciones del siglo XX. Mediante un enfoque cualitativo-descriptivo, se analizan escenas que reflejan la transición de un modelo de aprendizaje musical tutelado —generalmente, bajo la figura del pedagogo— hacia representaciones de intérpretes autónomas, en solitario y conscientes de su actividad artística. El trabajo incorpora un componente innovador al vincular el análisis iconográfico con la educomunicación, proponiendo aplicaciones didácticas diferenciadas para cada bloque temático del corpus. Estas propuestas, dirigidas a la formación docente y a la mediación cultural en el marco de las humanidades digitales, muestran cómo el arte puede integrarse en estrategias contemporáneas de aprendizaje, favoreciendo la reflexión crítica, la creatividad y la participación del alumnado en la sociedad del conocimiento.
Del terror al humor: el disfraz como icono de la resignificación de los monstruos clásicos en los cómics de Mortadelo y Filemón
El estudio analiza el uso del disfraz de monstruo en las historietas de Mortadelo y Filemón, centrado en su función narrativa y simbólica. Se explora cómo el disfraz promueve un cambio arquetípico en los personajes clásicos desde una óptica cómica. La investigación sigue una metodología semiótico-narrativa, basada en el modelo de Seymour Chatman, que abarca dos dimensiones analíticas: estructura narrativa (historia) y estructura enunciativa (discurso), con variables específicas en cada caso. Los resultados muestran que el disfraz cumple funciones narrativas tanto intradiegéticas como extradiegéticas y que actúa en clave cómica en ambos casos. Se concluye que el disfraz funciona como elemento de resignificación simbólica que transforma el terror en humor mediante diferentes recursos expresivos y narrativos.
Tecnología y creación sonora. Una práctica de investigación artística
Este artículo realiza un estudio sobre la investigación artística a través del proceso de creación de la obra Impasto I, una instalación sonora que combina música acusmática y experimentación visual. El trabajo se fundamenta en un enfoque teórico que considera la creación y composición como forma de investigación. La tecnología no actúa solo como herramienta, sino como mediadora epistemológica que condiciona la relación del artista con el sonido, la experiencia perceptiva y el pensamiento creativo. Metodológicamente, el proceso de creación de Impasto I se documenta en las seis fases del Humanities and Arts Research Council. El análisis de la obra se realiza mediante el método espectromorfológico, que permite describir la evolución del material sonoro, la textura, la gestualidad y la espacialización, así como su interacción con los elementos visuales a lo largo de las secciones formales de la obra. Los resultados ponen de manifiesto que la tecnología transforma tanto la creación como la percepción del sonido y que, como conclusión, se genera conocimiento artístico a partir de la práctica.
Pulvis et Umbra: reflexiones visuales en torno a la muerte y sus rituales
El artículo examina dos trabajos de la serie Pulvis et Umbra (2015-2023) realizados por Rodrigo Bruna en las ciudades de Temuco y Santiago de Chile. Las obras se construyen a partir de registros visuales y sonoros vinculados al ritual funerario. La investigación analiza cómo la práctica artística contemporánea produce conocimiento situado sobre la muerte como hecho y el morir como proceso en un contexto cultural específico. A diferencia de enfoques antropológicos o históricos, el estudio se inscribe en la práctica artística como investigación. Esta perspectiva interroga sus condiciones epistemológicas a través de sus dimensiones materiales y mediales, es decir, cómo soportes, técnicas y medios generan sentido. Para ello, combina una revisión de concepciones filosóficas en torno al deceso con un análisis histórico del ritual fúnebre en Occidente, delimitando el marco conceptual del trabajo. Metodológicamente, se adopta la noción de pensamiento material de Barbara Bolt (2010) como operador analítico. Se examinan así las decisiones formales y técnicas, mostrando cómo las obras resignifican archivos documentales asociados a lo fúnebre. Los resultados indican que estas operaciones transforman la visibilidad del archivo y modulan la experiencia temporal y afectiva del duelo. De este modo, las obras amplían los discursos del arte contemporáneo y hacen presente el fin de vida en la esfera pública. Esto evidencia cómo la producción artística genera conocimiento crítico sobre la cultura visual de la muerte.
Del sujeto universal al cuerpo disidente: una mirada ética y estética desde el arte postmoderno en América Latina
Este artículo propone una lectura crítica del posmodernismo como una ruptura tanto estética como ética con los valores universales de la modernidad. A partir de una articulación entre teorías filosóficas contemporáneas (Bauman, Vattimo, Lyotard), el pensamiento feminista posmoderno (Butler, Haraway, Braidotti, Segato) y las epistemologías del Sur, se examina la emergencia de una nueva sensibilidad que descentra la razón ilustrada y la jerarquía del canon. El arte posmoderno, especialmente desde una perspectiva feminista y decolonial, se convierte en un dispositivo crítico que cuestiona los binarismos y las exclusiones que sostuvieron el proyecto moderno. A partir de esta perspectiva, se analizan manifestaciones contemporáneas, especialmente el performance, que reformulan el lugar del cuerpo, el deseo, la identidad y la otredad. Mediante estas prácticas, se explora cómo la corporalidad y la memoria activan una ética de la diferencia, abriendo paso a un horizonte de resistencia, justicia simbólica y reparación colectiva.
El arte como herramienta de acción política: práctica ecocrítica de Oliver Ressler
Este artículo analiza la praxis de Oliver Ressler, figura clave del arte ecocrítico, cuya trayectoria ha dado un giro radical ante la magnitud de la emergencia ambiental. A través de una metodología cualitativa híbrida que conecta la entrevista en profundidad con la interpretación visual, se explora cómo su producción abandona la mera representación para abrazar una necesidad operativa; es decir, un arte que actúa como herramienta de intervención y movilización social. El estudio profundiza en cómo Ressler aplica el rigor de la investigación basada en las artes para fundir la ciencia del clima con el activismo político. Su trabajo rechaza frontalmente la estetización convencional para actuar como un dispositivo táctico y pedagógico, fundamentado en criterios de cristalización, honestidad epistemológica y transferibilidad. Al integrar roles de documentalista y agente de seguridad política, Ressler convierte su obra en un catalizador de prácticas contrahegemónicas que interpelan a las instituciones culturales y generan un conocimiento crítico. En definitiva, su legado se define como un servicio público de emergencia: un mapa operativo indispensable para la reestructuración social en la era del colapso planetario.
Las relaciones policontextuales de las artes
El presente trabajo analiza las relaciones policontextuales de las artes. A partir de la estética de Nicolai Hartmann y la teoría del diamante de Rudolf Kaehr, se propone comprender la experiencia estética como un sistema dinámico de relaciones no lineales. Desde esta perspectiva, la obra de arte opera como un objeto proemial capaz de generar múltiples vínculos entre lo material y lo inmaterial, lo individual y lo colectivo, lo local y lo intercultural. Este marco teórico se aplicará al análisis de una obra de la artista vocal Fátima Miranda, con el propósito de explorar el arte como una práctica viva, que entrelaza memoria, imaginación y nuevos sentidos en un marco intercultural, más allá de ser un vehículo de significado.
Visión Artificial y Percepción Humana: Correspondencias y Divergencias
Esta investigación parte de la correlación que se estableció entre la neurociencia y la computación con la llegada del conexionismo a las investigaciones en Inteligencia Artificial (IA), una relación que daría lugar al actual deep learning y, en particular, a las convolutional neural networks (CNN) para visión artificial. La hipótesis que plantea este artículo es que esta relación trajo consigo una neuromitología que sustenta el discurso mediático de la IA contemporánea, por el cual estamos cerca de alcanzar una superinteligencia computacional de carácter humano. Tomando como caso de estudio las CNN, se analizarán las relaciones y divergencias entre visión artificial y percepción humana, con el objetivo de desmitificar este discurso.
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Reseña: Cinco sentidos. Una exposición digital. Sensorialidad, arte y cultura escenográfica en la edad moderna
La reseña analiza la exposición digital Cinco sentidos. Sensorialidad, arte y cultura escenográfica en la Edad Moderna, resultado del proyecto I+D dirigido por Concepción Lopezosa y Carmen González-Román. Esta iniciativa propone un enfoque holístico sobre la multisensorialidad en las celebraciones festivas entre los siglos XV y XVIII, articulado en torno a cinco recorridos dedicados a cada sentido: olfato, gusto, vista, tacto y oído. La muestra, desarrollada por el Kunsthistorisches Museum de Viena, se complementa con un catálogo científico editado por Tirant Lo Blanch. Cada sección explora cómo los sentidos intervenían en la escenografía festiva, desde los aromas de la pirotecnia hasta los sabores de banquetes cortesanos, la mirada guiada en ceremonias religiosas, el tacto espiritual en el arte devocional, y la sonoridad de eventos ibéricos. El formato digital permite una experiencia interactiva y no lineal, con recursos audiovisuales, animaciones por IA y audiodescripciones, favoreciendo la accesibilidad y el aprendizaje experiencial. La propuesta destaca por su originalidad y capacidad para integrar investigación académica con divulgación cultural, ofreciendo una visión crítica y sugerente de la cultura escenográfica del pasado. A pesar de los límites inherentes a la representación multisensorial, el proyecto logra transmitir la riqueza emocional y performativa de las celebraciones históricas.
Entre obra y proyecto: conocimiento situado, tecnologías del arte y nuevas espacialidades
Se discute la relación entre obra artística multimedia, conocimiento situado y proyecto. Se profundiza en el caso de estudio Santa Marta (Venecia), entre “efecto presencia” y “efecto significado”. Se concluye que la atención a la cultura del between en las practicas artísticas, produce un arte digital más consciente y responsable, encaminada hacia nuevas experimentaciones y espacialidades, atenta a las hibridaciones, las invisibilidades de los conceptos y la no visibilidad de los algoritmos.
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El arte biomecánico de H.R. Giger en la narrativa posthumanista del videojuego Scorn
Se reflexiona sobre los planteamientos artísticos y filosóficos pertenecientes al mundo narrativo, interactivo y jugable del videojuego Scorn, los cuales han sido extraídos de la obra de H.R. Giger, creador del diseño del xenomorfo para Alien: el octavo pasajero e impulsor del arte biomecánico. A través de un enfoque interdisciplinario que combina teoría del posthumanismo, estudios visuales y análisis del diseño de videojuegos, se explora la influencia de Giger en la dirección artística de esta obra digital, deteniéndose en sus elementos simbólicos (arquitecturas orgánico-mecánicas, criaturas híbridas e imaginería corporal) y en su ambientación biopunk y decadente. Se examina de qué manera la estética gigeriana –que fusiona organismo y máquina– se reinterpreta en Scorn para articular un discurso crítico sobre la condición posthumana. Asimismo, se concluye que la obra de Giger ha sido transferida a Scorn mediante una narrativa posthumanista caracterizada por el absurdismo existencial y el determinismo científico empaquetada en el arte biomecánico y sexualizado del artista suizo.
La evolución de la maquinaria escénica en el teatro palaciego de Drottningholm (1764-1766)
El Teatro Palaciego de Drottningholm sintetiza las aspiraciones estéticas y técnicas del espectáculo cortesano de la segunda mitad del siglo XVIII. Su compleja maquinaria escénica, basada en el innovador cabestrante vertical e inspirada en modelos centroeuropeos, permitió transformar el espacio dramático con notable precisión y dinamismo. Concebido por Carl Fredrik Adelcrantz bajo el mecenazgo ilustrado de Lovisa Ulrika de Prusia, combinó riqueza espacial y esplendor mecánico para materializar la ilusión teatral total. Esta integración de arquitectura, pintura, música y movimiento refleja la culminación del barroco escenográfico y anticipa la modernidad del artificio. La técnica –ahora digital– se convierte en vehículo de emoción estética y lo real se confunde con lo ilusorio en una experiencia única.
El papel de la interactividad en los espacios escenográficos de Klaus Obermaier
Este artículo examina el papel de la interactividad en los entornos escenográficos a través del análisis de las performances de danza intermedia de Klaus Obermaier. Mediante sistemas de seguimiento de movimiento en tiempo real, visión por computadora y mapeo corporal, su obra transforma el escenario en un dispositivo interactivo que elimina la jerarquía tradicional entre escenario, artista e intérprete. En este contexto, la interactividad se convierte en un principio dramatúrgico generativo, un proceso de creación de significado en tiempo real que redefine las experiencias de presencia, corporeidad y participación tanto para los bailarines como para el público. El análisis sitúa la práctica de Obermaier dentro del discurso más amplio sobre escenografía digital y coreografía contemporánea, argumentando que los medios responsivos redefinen los términos del proceso artístico y el papel de los bailarines.
La evolución del arte escenográfico en el Festival de Eurovisión
Desde su inicio en 1956, el Festival de Eurovisión ha evolucionado de escenarios minimalistas a experiencias híbridas y tecnológicas, integrando luz, espacio y multimedia. Innovaciones como pantallas LED, mapping, realidad aumentada y elementos cinéticos transforman la percepción del público. Influencias de Appia, Craig, Svoboda, Wilson y Lepage muestran la transición hacia la “obra de arte total”. Además, las propuestas de Turrell y Eliasson enriquecen la escenografía expandida, explorando la luz como materia y participación multisensorial. Cada edición actúa como laboratorio escenográfico, donde lo físico y lo digital convergen, redefiniendo la experiencia estética y consolidando el festival como un referente de innovación tecnológica y visual en eventos masivos.
Velázquez y el tango queer: retratos de una genealogía disidente
Este artículo presenta una investigación artística centrada en una serie de retratos al óleo de bailarines de tango queer, realizados desde una relectura contemporánea y disidente de la tradición del retrato español, y particularmente influida por Velázquez, Zuloaga y otras genealogías visuales. Mediante una metodología artística de carácter cualitativo, auto etnográfico y visual, se construye un archivo pictórico que activa nuevas formas de representación para los cuerpos disidentes, no desde la marginalidad, sino desde la dignidad, la complejidad y el deseo. Así, concebido desde una práctica situada que entrelaza, por un lado, creación artística y, por otro lado, experiencia encarnada como persona que baila tango, el proyecto indaga en el retrato como archivo de subjetividades queer, proponiendo una cartografía afectiva de cuerpos e identidades que escapan a la normatividad. Los distintos retratos despliegan una diversidad estética deliberada que dialoga con múltiples épocas e imaginarios visuales, apuntando a una trans-temporalidad queer que conecta genealogías visuales del pasado, comunidad presente y posibilidad futura. El cuerpo danzante —y su representación pictórica— se convierte aquí en espacio de inscripción política, donde se exploran las tensiones entre género, deseo, memoria y afecto. Desde una articulación entre pintura, performatividad, teoría crítica y cuidado, la propuesta busca...
La transferencia como práctica y fuerza de creación en la gráfica artística: una experiencia desde la técnica del mokulito
El presente artículo surge de mi investigación doctoral acerca de la gráfica artística contemporánea y en él se desarrolla la idea de que las distintas prácticas del grabado y arte impreso son atravesadas por una fuerza constitutiva propia y singular como lo es la de la transferencia. Se exponen los argumentos por los cuales se deduce que la transferencia constituye dicha fuerza que conecta a toda práctica del grabado, por lo que esta se considera un elemento intrínseco y distintivo de las prácticas de la gráfica. En tal sentido, el análisis se conduce a través de la reflexión sobre las ideas de Deleuze en torno a lo que implica el acto de creación, en este caso al acto de creación de la gráfica artística. La transferencia actúa como fuerza creadora que articula la práctica y la producción de la gráfica artística lo cual conduce a pensar a la transferencia como moduladora de los rituales de producción y de percepción de este campo de conocimiento que define sus modos de ser y pensar. De igual forma se incluye un análisis sobre una experiencia de creación de obra a través del mokulito desde la que el investigador asume su propia práctica.
Inteligencia artificial generativa en la producción de un retrato póstumo fundido en bronce
La realización de retratos escultóricos póstumos plantea desafíos significativos ante la ausencia de documentación morfológica. Este estudio propone una metodología híbrida que integra inteligencia artificial generativa, validación perceptiva y modelado digital, enfocada en la producción de bustos conmemorativos con un enfoque crítico sobre el proceso creativo. Se emplearon plataformas de IA para generar imágenes sintéticas del rostro del homenajeado, que fueron evaluadas y seleccionadas mediante un cuestionario a personas que lo conocieron en vida (n = 12). Las imágenes sirvieron como base para la construcción, reflexionando sobre la capacidad de la IA para intervenir en la construcción de memoria y representación del cuerpo. Los resultados evidencian que la integración de IA no solo repercute en la sostenibilidad de recursos materiales, sino que también abre nuevas posibilidades para cuestionar la autoría, la fidelidad representativa y los límites entre técnica y creación artística. El busto final obtuvo un elevado grado de reconocimiento morfológico y expresivo por parte de la comunidad, mostrando cómo los procesos híbridos pueden articular memoria colectiva, innovación tecnológica y valor estético. La metodología permite abordar con rigor los problemas derivados de la ausencia de datos en retratos postmortem, aportando al debate sobre la función de la IA en la...
Música punk y crítica social en Indonesia: la polémica de la canción Bayar Bayar Bayar y la respuesta institucional
La canción Bayar Bayar Bayar de la banda punk Sukatani provocó controversia en Indonesia, mostrando cómo la música punk se ha convertido en una herramienta de crítica social de las políticas económicas y las injusticias estructurales. Este tema es importante dentro del discurso más amplio sobre la censura cultural, la libertad de expresión y el papel de las instituciones en la respuesta a la crítica social a través de la música. Esta investigación tiene como objetivo analizar el significado de la letra de la canción, las reacciones del público y los medios de comunicación y las respuestas institucionales a las mismas. Utilizando un método cualitativo y análisis crítico del discurso, este estudio examina textos mediáticos, grabaciones audiovisuales y entrevistas con académicos. Los resultados del análisis muestran que la música punk sigue siendo una forma de resistencia a la hegemonía estatal, a pesar de enfrentar la censura y el silenciamiento. Por lo tanto, la respuesta represiva a la música con crítica social fortalece el atractivo de la canción como símbolo de resistencia. Este estudio enfatiza la necesidad de políticas culturales más inclusivas, así como un diálogo más abierto entre artistas e instituciones para dar cabida a la libertad de expresión.
Representación de género y valores feministas en la serie de televisión La Maravillosa Sra. Maisel
Este trabajo se integra en el contexto de los estudios de género que examinan la representación de las mujeres en el audiovisual y se centra específicamente en una serie de televisión como estudio de caso. El objetivo principal es analizar la representación de las mujeres protagonistas de la serie La Maravillosa Sra. Maisel (Prime Video, 2017-2023) desde una perspectiva de género. Para lograrlo, se aplica un análisis textual basado en la identificación y la descripción de los rasgos que caracterizan a las protagonistas femeninas, Miriam Maisel y Susie Myerson. A través de un enfoque fenomenológico, se estudian tres dimensiones: física, psicológica y social. El segundo objetivo es evaluar dicha representación atendiendo a los principios asociados a diferentes olas del movimiento feminista y a la posible presencia de estereotipos sexistas. Los resultados llevan a concluir que la serie propone una revisión de la década de 1950, al presentar a mujeres que desafían el patriarcado del momento representado a partir de su actividad artística y profesional. La investigación concluye que, si bien existen algunas representaciones físicas convencionales en cuanto a belleza y juventud, los personajes femeninos están dotados de una profundidad psicológica y social que trasciende los estereotipos clásicos. La serie se alinea con los valores feministas contemporáneos, especialmente los de la segunda y la cuarta ola, al denunciar la discriminación de género y abogar por la igualdad.
Estéticas de la traición: deseo y censura de la memoria gay en el arte contemporáneo
Este artículo propone un análisis crítico y controvertido de la historia gay a través del arte contemporáneo, desde una perspectiva queer negativa que desestabiliza los relatos normativos de identidad, deseo y memoria. A partir del estudio de obras de artistas como Collier Schorr, Attila Richard Lukács, Catherine Opie y Pierre et Gilles, se explora cómo el arte visual puede reconfigurar las narrativas tradicionales de la masculinidad homosexual, especialmente aquellas ligadas a la estética fascista, el militarismo y el fetichismo. Estos artistas utilizan la ambigüedad estética, entre el deseo y la incomodidad, para tensionar los límites entre erotismo, violencia simbólica y política. La investigación se apoya en marcos teóricos de Jack Halberstam, Leo Bersani y Susan Sontag, cuyas propuestas sobre el masoquismo, la negatividad queer y la fascinación estética permiten leer estas imágenes no como afirmaciones identitarias, sino como actos de traición simbólica que abren nuevas vías para repensar lo incómodo.
El video mapping como estrategia didáctica para diseñar situaciones de aprendizaje en la formación del profesorado
El video mapping es una técnica muy utilizada en el arte público que transforma con proyecciones la apariencia de todo tipo de superficies. Dado que los medios utilizados para realizar estas producciones son los mismos que podemos encontrar en un aula, en este artículo se plantea una estrategia didáctica basada en el empleo de estas TIC para conseguir una alfabetización artística y tecnológica de los docentes en formación. Como resultado, se presentan tres intervenciones artísticas desarrolladas en tres contextos diferentes y que parten de la a/r/tografía como base metodológica.
La animación audiovisual como agente de cambio en la sociedad: honrando a nuestros mayores y al valor de su experiencia de vida
El proyecto de animación La vela (De Miguel, 2023) representa, mediante animación 2D, la vida de un anciano durante la COVID-19 para reflexionar sobre la exclusión digital de las personas mayores. Nace del testimonio de un abuelo a su nieta y busca visibilizar el aislamiento vivido en el confinamiento, promoviendo la empatía y la conexión intergeneracional. Metodológicamente, se estructura en un modelo helicoidal de tres ejes, vinculado a las fases del proyecto y al perfil docente como investigadora y artista de la autora.
La escena como pantalla: estudio intermedial del audiovisual expandido en las artes escénicas contemporáneas
Este trabajo explora la expansión del audiovisual en las prácticas escénicas contemporáneas desde la perspectiva de los estudios intermediales. A partir de un enfoque teórico-metodológico basado en los planteamientos de Rajewsky (2005), Bruhn y Schirrmacher (2021), se analiza cómo el cine se integra dentro de las artes en vivo, generando nuevas experiencias de percepción estética. La investigación propone un modelo analítico centrado en las interacciones entre medios y su impacto en la experiencia del sujeto-espectador. Esta aproximación permite profundizar en prácticas híbridas, especialmente en aquellas dramaturgias construidas a partir del lenguaje y las tecnologías audiovisuales. Para aplicar estas nociones y examinar sus manifestaciones en proyectos concretos, se recurre al análisis de tres estudios de caso que representan distintas formas de intermedialidad escénica contemporánea: Los días afuera (Lola Arias, 2024), Festen (La dramática errante, 2023) y Cosmogony (Gilles Jobin, 2021). Los resultados permiten aproximarse a una comprensión más profunda y analítica de las prácticas escénicas intermediales, al tiempo que evidencian la diversidad de enfoques y el potencial artístico que la intermedialidad aporta a la creación escénica contemporánea.
Caminos: el dibujo sensorial como medio para trazar la memoria del cuerpo
Este artículo presenta el resultado del proyecto de investigación-creación: Dibujo sentido, experiencias multisensoriales para la creación y contemplación del dibujo, que da como primer resultado Caminos, pieza audiovisual en la que el dibujo sensorial es explorado como un medio para reconocer y trazar la memoria del cuerpo. La obra, un video performance, se construye a partir del contacto con las estrías de la piel, generando un proceso de inscripción gráfica que sigue las huellas del tiempo sobre el cuerpo. Esta acción, que vincula la percepción táctil con el dibujo, la caricia con la línea, se concibe como una forma de cartografía corporal en la que el gesto de tocar y trazar se convierte en una estrategia de reconocimiento y apropiación de la propia imagen. El objetivo de este trabajo es explorar las relaciones entre cuerpo, memoria y trazo, proponiendo una mirada expandida del dibujo como práctica performativa. Para ello, se abordan referentes teóricos sobre el cuerpo como archivo y las formas en que la materialidad del dibujo puede operar como testimonio y narración. Finalmente, se analiza la obra en el contexto de las prácticas artísticas contemporáneas que vinculan la autoexploración con la acción y el gesto gráfico.
Historia de las herramientas de enseñanza de la anatomía artística en la cultura occidental
Este artículo explora la historia de las herramientas de enseñanza anatómica artística en la cultura occidental, desde su establecimiento en la Grecia clásica hasta la actual era digital. Se centra específicamente en la anatomía humana y recorre los hitos más importantes de su desarrollo, como la transición del ideal griego a la individualidad de la Roma antigua, el acceso a cadáveres en las universidades renacentistas, el uso de la fotografía para comprender la anatomía en movimiento o la más reciente elaboración de modelos digitales en tres dimensiones.